Du 24 mars au 21 avril 2010

La Reine Margot

D’après l’œuvre d’Alexandre Dumas
Adaptation et mise en scène de Marie-Josée Bastien
Avec Frédéric Bouffard, Philippe Cousineau, Marie-Soleil Dion, Gabriel Fournier, Jonathan Gagnon, Renaud Lacelle-Bourdon, Éliot Laprise, Danielle Lépine, Marie-Ève Pelletier, Guillaume Perreault, Simon Rousseau

Marguerite de Valois, héritière de la famille royale de France, doit épouser Henri de Navarre, le futur Henri IV. Elle est catholique, il est protestant. C’est un mariage politique pour calmer les tensions religieuses de plus en plus présentes en France. Pourtant, la mère de Marguerite, Catherine de Médicis, et ses fils, leur ami de Guise en tête, complotent pour garder le pouvoir. Afin d’exterminer tous les protestants de Paris, ils préparent ainsi le massacre de la Saint-Barthélemy.

Alors que sa famille a juré la perte des protestants, Marguerite tombe éperdument amoureuse de l’un deux, La Mole, qui a accompagné Henri de Navarre à Paris. Soutenu par Coconnas, un ami fidèle et bon vivant, La Mole va tenter de sortir Marguerite des dangers de la guerre et de sauver Henri des intrigues qui le guettent.

par Marijo Meunier

La Reine Margot a d’abord été présentée dans la ville de Québec au début de l’hiver 2010.  Suivant la critique que notre collègue en avait faite à ce moment, force est de constater que les points forts et les points faibles de la pièce demeurent les même en sol montréalais. Vous pouvez consulter la critique de Yohan Marcotte en bas de cette page.
L’adaptation et la mise en scène que Marie-Josée Bastien a faites de l’œuvre d’Alexandre Dumas soulignent avec brio le côté sombre et tordu de ladite famille royale.  Dans La Reine Margot, chacun des onze personnages est à la recherche d’une seule chose : le pouvoir.  Pour y arriver, ils ne s’épargnent mutuellement pas.  Alliances mensongères, trahisons, manipulation : tout est possible chez les de Valois.

La première partie de la pièce place la tragédie à venir au Louvre avec beaucoup d’humour.  Entre le mariage forcé de Margueritte et Henri et la sanglante Nuit de Saint-Barthélemy; on rit.  La nuit de noces de la jeune mariée se transforme en prétexte pour se trouver un amant.  Celle-ci, accompagnée de sa fidèle Henriette, rencontre La Mole et Coconnas qui deviendront respectivement leurs amants.  Le quatuor donne lieu à plusieurs éclats de rire.  Il en va de même avec le roi Charles qui préfère la chasse à son rôle de roi et qui laisse largement dicter à sa mère, Catherine de Médicis, la façon dont il doit régner.  Elle, on se plait à la détester, lui, nous fait rigoler par sa mollesse, pour ne nommer que ceux-ci.  Le choix d’intégrer une touche d’humour dans le propos plutôt sinistre de la pièce bien que justifié nous semble parfois superflu.  À quelques reprises, certains apartés se voulant coquins tombent un peu à plat, notamment du côté d’Henriette. 

On oublie cependant vite ces «apartés» lorsque le ton change et arrive la nuit du massacre qui est, par ailleurs, brillamment mise en scène.  Le décor sobre du Louvre se transforme en une piste où les acteurs se livrent tour à tour bataille à la manière d’un tango bien orchestré.  Les scènes auxquelles elle donne lieu sont dynamiques et empreintes d’émotions, comme lorsque vient le duel entre La Mole et Coconnas, des amis, mais de deux clans différents.  C’est suite à cette nuit, dans la deuxième partie de la pièce, que le ton devient résolument dramatique et que chacun des personnages trouve sa véritable nature.  On est au cœur de la pièce.  Le tragique destin de Margueritte et de la famille de Valois devient tangible tant à travers les éclairages que dans le jeu des comédiens qui s’en trouve d’autant plus senti et égal au niveau du ton.  À travers leur quête individuelle de pouvoir, on sent à merveille la douleur et la fatalité à laquelle ils sont, en fin de compte, collectivement soumis.  Le sentiment s’en trouve renforcé lorsque les époux Margueritte et Navarre réalisent qu’il vaut mieux être de fidèles alliés que de fidèles époux.  Dans La Reine Margot, ce n’est pas l’amour qui triomphe, mais une alliance sincère.

Comme il en était question dans la critique de notre collègue de Québec, il est difficile de ne pas questionner le choix du mobilier dans le décor qui est, disons-le, composé d’un pupitre scolaire sur roulettes et de quelques chaises de salle d’attente.  Entre les nombreuses portes d’arche qui symbolisent le Louvre et les costumes qui évoquent aussi l’époque; on a l’impression d’avoir affaire à un anachronisme plutôt qu’à une référence contemporaine.  Comme dans le cas de l’humour, c’est un petit détail que nous venons, heureusement, à oublier plus la pièce évolue.

Famille et loyauté sont-elles synonymes? Une famille catholique est-elle naturellement orthodoxe?  Le sang royal fait-il d’un homme ou d’une femme une personne moralement respectable?  Non, vous répondra La Reine Margot.  Une production d’envergure dans laquelle on plonge sans aucune difficulté.

30-03--2010

par Yohan Marcotte

La Reine Margot présente le sombre destin de la dynastie des Valois, avant l’histoire de celle qui donne son nom à cette pièce on ne peut plus tragique. Il s’agit d’une nouvelle adaptation du roman d’Alexandre Dumas par Marie-Josée Bastien. Cette dernière assume également la mise en scène du spectacle, où on peut voir la déchéance d’une famille royale divisée qui a voulu dissoudre les tensions religieuses dans la France du XVIe siècle par le mariage arrangé de la catholique Marguerite de Valois avec son cousin protestant, Henri de Navarre.

Mariage de raison, s’il en est un, dans la folie généralisée qui assaille la famille royale, la jeune Margerite brûle de passion et n’a nullement envie de laisser son amant de moment pour le pieu Henri de Navarre. L’histoire nous montrera son passage du rouge passion au rouge enfer avec, pour trame de fond, les dérives sociales de l’intolérance religieuse.

En effet, comme les apparences ne sont qu’une mince couche sur la surface des choses, l’incompréhension et l’intolérance profonde entre catholiques et protestants mineront les tentatives d’harmonisation de la reine Catherine de Médicis, mère de Margot, qui est à l’origine du mariage. Bien vite, l’amiral Coligny, autre force majeure de cette union interreligieuse, voudra mener la France en guerre contre l’Espagne catholique, ce qui déplaira au plus haut point aux héritiers de Valois. Ceux-ci comprennent rapidement que les protestants n’ont pas la volonté de revenir dans le droit chemin du catholicisme, au contraire ils souhaitent diviser l’Église de Rome en allant combattre les catholiques espagnols. S’ensuivra l’irréparable blessure, le massacre de la Saint-Barthélemy. Cependant, l’histoire ne s’arrête pas là, car il n’est pas simple de calmer la fureur et l’orgueil blessé.

La mise en scène montre, de façon épurée, l’horreur dont le genre humain est capable lorsqu’il est prisonnier de sa folie. Le délire lui permet de s’entretuer sans remords, alors que les familles se déchirent et que les armes ratent les ennemis pour frapper les alliés. Les poisons aveugles grugent ceux qui croisent leurs chemins, car on ne se risque que peu à la guerre ouverte. La noblesse ne s’en va plus à la guerre, elle s’acharne à la chasse aux sangliers et aux lâches coups dans le dos.

Tous les protagonistes sont interprétés par une distribution bien équilibrée qui sait porter ce récit épique sans vraiment relâcher le rythme de cette pièce-fleuve. On y découvre des personnages hauts en couleurs qu’on aime haïr comme le frère du roi, Henri d’Anjou (Frédérick Bouffard) et son cousin, le Duc de Guise (Gabriel Fournier), mais aussi des figures d’intégrité que l’on admire dans leur maîtrise d’eux-mêmes, tel Henri de Navarre (Simon Rousseau).

Le tout est enrobé de costumes hybrides pour les hommes, c’est à dire fait de patchwork avec des coupes d’inspirations historiques et des matériaux évoquant passé et présent. Tandis que pour les femmes, on semble plus résolu à la fidélité historique avec les faux-culs et robes longues taillées dans des tissus qui semblent propres à l’époque. De même, le décor, bordé de portes d’arche, est signe d’une préoccupation historique. Cependant, le mobilier avec ses chaises en résine de synthèse, par exemple, s’en détourne. Un choix entre un système de pure référence historique ou celui de l’hybridation généralisée aurait donné plus d’homogénéité à l’esthétique de la pièce. Comme cette histoire a des résonances dans le monde contemporain (on en parle d’ailleurs ainsi dans le programme du spectacle), il aurait été bienvenu de pousser plus loin l’aspect hybride qui allie passé et présent au sein de chaque élément visuel. Malgré cette opinion, il n’en demeure pas moins que l’esthétique est harmonieuse pour le regard.

La force de cette mise en scène de Marie-Josée Bastien, qui s’impose aux spectateurs d’entrée de jeu, est la composition de tableaux rappelant ceux des maîtres de peinture de la renaissance. On peut voir dans le long prologue, des scènes de vie sociale où les personnages sont tous présents, réunis en petits groupes, comme s’ils complotent les uns contre les autres. Le tout donne des mises en place complexes et statiques, mais fourmillantes de vie. Comme si on avait croqué sur le vif ceux que le destin, la mort, a brusquement frappés. Par contre, après le prologue, ces merveilles de compositions se font de plus en plus rares.       

La pièce est résolument sombre, les éclairages de Sonoyo Nishikawa sont glauques et ils proviennent presque toujours de l’extérieur, au travers les carreaux de fenêtre par exemple, créant au sol des mosaïques de lumière qui sont toujours enchevêtrés, à l’instar des relations entre les personnages, d’ailleurs. Malgré ce côté obscur, il y a plusieurs moments où on rigole, en particulier avec le duo Coconnas et La Mole (Éliot Laprise et Guillaume Perreault) qui viennent alléger l’atmosphère oppressante de la situation. Ce qui nous déride d’abord pour notre plus grand plaisir semble ensuite venir court-circuiter l’intensité dramatique de la pièce. Le rire vient créer un effet de distanciation avec la douleur des personnages qui semblent pris dans un pathos étrangement risible. Cet effet était-il recherché par les créateurs du spectacle ? Si oui, il devient alors, pour le spectateur, moins aisé de se situer.

Cette pièce, coproduite avec le Théâtre Denise-Pelletier, est à l’affiche jusqu’au 6 février au Théâtre de la Bordée. Ensuite, elle se produira à Montréal à compter du 26 mars. Ne manquez pas cette fresque historique qui nous fait vibrer comme les cordes d’un violoncelle dans les mains d’un musicien passionné, comme la musique que Philippe Brault a composée pour la pièce.

17-01-2010