Les années 1950 ont fait naître les flamboyantes femmes poètes de la Beat Generation. Elles ont pour noms Diane di Prima, Hettie Jones, Lenore Kandel, Denise Levertov, Anne Waldman, Janine Pommy Vega, Mary Norbert Körte... Avant-gardistes, pas moins aventurières et rebelles que leurs équivalents masculins, elles ont pourtant été occultées par ceux-ci et effacées du grand livre de l’Histoire officielle.

Émue par ces femmes radicales et indociles, ainsi que par la puissance de leur écriture, l’actrice, auteure et metteure en scène Marie Brassard tente de les ramener à la lumière. Quatre femmes, artistes, ont été réunies pour parcourir leurs œuvres et réfléchir aux circonstances qui ont précipité tant de libres penseuses dans l’ombre et l’oubli. Éclipse est le spectacle né de leurs échanges.

Depuis 2001, les œuvres de Marie Brassard et de sa compagnie Infrarouge (Jimmy, Peepshow, La noirceur…) sillonnent la planète, entremêlant des fragments de l’intime et une atmosphère surréelle où la lumière et le son concourent à créer un espace scénique singulier. Sa préoccupation quant à une parole des femmes libre de toute entrave s’est fait particulièrement sentir dans ses récents spectacles, dont La fureur de ce que je pense, autour des textes de Nelly Arcan. Créé en 2013, il continue de tourner dans le monde.

Création Marie Brassard
Avec Larissa Corriveau, Laurence Dauphinais, Ève Duranceau et Johanne Haberlin

Revisiter la Beat au féminin

Après s’être penchée sur l’œuvre et la vie de Nelly Arcan, Marie Brassard poursuit son exploration des femmes en littérature avec son plus récent spectacle. Si les noms de Kerouac, Burroughs et Ginsberg ont traversé l’Histoire, on retrouve peu de traces des femmes de la Beat Generation dans la mémoire collective. C’est à cet effacement que Brassard veut remédier en créant Éclipse au Théâtre de Quat’sous, une pièce inspirée de l’anthologie Beat Attitude. Femmes poètes de la Beat Generation (2018).

Crédit photo : Yanick Macdonald

En plus des poétesses qu’elle voulait mettre en lumière, Marie Brassard tenait à donner la parole aux quatre interprètes qui ont participé étroitement à l’élaboration du spectacle. La pièce s’ouvre d’ailleurs avec des extraits d’entrevues que la metteure en scène a menées avec les actrices durant le processus de création. Larissa Corriveau, Laurence Dauphinais, Eve Duranceau et Johanne Haberlin s’expriment donc sur leur sexe, leur vision du rôle de l’artiste en société et leur rapport aux poètes de la Beat Generation. Ces confidences, parfois drôles et parfois intimes, constituent une excellente préparation à la plongée que le public s’apprête à vivre dans l’œuvre d’Elise Cowen, Diane di Prima, Hettie Jones, Leonore Kandel, Denise Levertov, Janine Pommy Vega et Anne Waldman.

Larissa Corriveau, Laurence Dauphinais, Eve Duranceau et Johanne Haberlin s’expriment donc sur leur sexe, leur vision du rôle de l’artiste en société et leur rapport aux poètes de la Beat Generation. Ces confidences, parfois drôles et parfois intimes, constituent une excellente préparation à la plongée que le public s’apprête à vivre dans l’œuvre d’Elise Cowen, Diane di Prima, Hettie Jones, Leonore Kandel, Denise Levertov, Janine Pommy Vega et Anne Waldman.

Le décor d’Antoine Sorel, concentré du côté cour de la scène, rappelle les ateliers d’artistes des années 1950 et 1960. À la lueur de la lune, les actrices entrent et sortent d’un espace vitré et exigu où règne le désordre. Cependant, malgré un énorme potentiel, cet espace reste peu exploité par la mise en scène. Toutefois, la vidéo de Karl Lemieux, appuyée par les lumières de Sonoyo Nishikawa, accompagne fort bien les poèmes récités. Les projections alternent entre des documents d’archives de la Beat et des expérimentations sur pellicule donnant lieu à des formes abstraites et géométriques. La composition visuelle du spectacle est d’une rare cohérence, autant par sa palette de couleurs en noir et blanc que par sa mise en valeur de la parole des poétesses.

Les actrices semblent avoir une réelle sensibilité pour la poésie, certaines s’adonnant elles-mêmes à l’écriture. Leur interprétation nuancée met en valeur les subtilités des poèmes et l’assemblage des différents textes se mélange pour créer un flot créatif très porteur. Le trivial et le cosmique s’entrechoquent, tout comme les prises de parole politique, sexuelle et artistique. La liberté semble être au cœur des préoccupations des femmes artistes qui s’expriment sans tabou par le biais de la poésie. Toutefois, c’est la prise de parole collective qui se dégage de la pièce plutôt que la voix singulière de chacune des poétesses. Cette impression est également accentuée par le timbre de voix similaire des quatre comédiennes. Si cette ressemblance permet des effets de « choralité » réussis, elle provoque une certaine monotonie que n’arrive pas à briser la mise en scène. Les segments narratifs qui ouvrent et ferment la pièce génèrent cette même impression. Marie Brassard lie d’une voix neutre un texte sur la genèse du spectacle et sur la nécessité de réinscrire les femmes dans l’histoire du mouvement beatnik. Or, ce texte est reproduit dans son intégralité sur le mur du fond de la scène, comme si le public ne pouvait pas se contenter de l’écouter simplement.

Alors que le rythme et le choix des mots sont au cœur de la poésie, on peut aussi remettre en question la décision d’avoir opté pour la traduction des textes originaux. Si certains des poèmes sont présentés en anglais avec des sous-titres, la plupart ont simplement été transposés en français. Sans rien enlever à la qualité de la traduction – partiellement assurée par Brassard elle-même –, il aurait été intéressant d’avoir accès à la parole authentique des poétesses. On peut quand même considérer qu’en ce sens, le souhait de la metteure en scène est réalisé : le spectacle provoque l’urgente envie de plonger plus attentivement dans la lecture des textes qu’elle nous fait découvrir.

24-01-2020