Mariant la danse, la performance et l’usage remarquable des technologies informatiques, les créateurs de True mettent en marche une infernale machine à déstabiliser nos sens. Dans un espace froid et épuré qui rappelle l’esthétique des jeux vidéo, se déploie un environnement hautement interactif où la synergie opère entre les éléments scénographiques et les danseurs. Contrôlés électroniquement, des capteurs, des oscillateurs et des éléments issus de la technologie DEL (Diode électroluminescente, traduit de l’anglais Light-Emitting Diode – LED) font que les objets, la lumière, le son et l’espace scénique deviennent les extensions mêmes du corps des interprètes. True livre non seulement une fort belle leçon de kinesthésie mais aussi un questionnement sur la relation entre la perception et la réalité.

critique d'Odré Simard

Le Mois Multi revient en force pour une douzième année consécutive. Ciblant toujours la multidisciplinarité ainsi que l’usage des nouvelles technologies, il nous offre cette année comme premier spectacle une œuvre surprenante qui vient ravir nos sens. Créée au Japon par la rencontre de Takayuki Fujimoto, Tsuyoshi Shirai et Takao Kawaguchi, True allie avec brio les possibilités de la danse, du théâtre, de l’environnement sonore et de la lumière. Malgré un début un peu trop lent et froid, une dynamique étourdissante s’installe et nous tient en haleine jusqu’à la dernière seconde.

L’histoire est toute simple; un jeune homme se réveille et autour de lui se retrouvent dispersés divers objets du quotidien, par exemple une tasse, un cadre photo, un verre, un globe terrestre. Par contre, ce jour-là, les objets ne répondent pas comme à l’habitude. Plus lourd que d’ordinaire ou possédant une sonorité des plus incongrues, tout est propice à nous surprendre. Les créateurs de True ont su explorer le potentiel de la technologie LED d’une manière renversante au point de nous donner l’impression qu’ils sont à même de contrôler le temps et l’espace à leur guise.

True est donc une amorce très prometteuse de Sonoptique, le Mois Multi 2011.

critique de Mélanie Thibault

Débranché

Tout un dispositif pour un spectacle dont il ne reste que peu à dire. Les scènes pouvaient se condenser en une seule et même séquence pour que surgisse l’essentiel du spectacle : ce rapport entre ce qui est perçu et ce qui est réel.

C’est clair dès les premières minutes du spectacle, où un jeune homme découvre des sons inhabituels provoqués par le mouvement d’objets du quotidien, comme une théière ou un beigne, un globe terrestre ou un verre d’eau.

Du son et de la lumière jusqu’à saturation. Un homme, puis deux, qui s’y confrontent dans un mouvement précis, les objets pêle-mêle sur un tapis de danse blanc, auparavant réunis sur une table.

Des échafaudages encadrent la scène, cour et jardin. Ils sont constitués de plusieurs étages et semblent au final disposés pour un autre spectacle, puisqu’ils ne sont pas réellement utilisés.

Un imperméable rouge lustré, vêtement à manipuler, enchante au départ puis devient anodin à force d’être retourné de tout bord.

Un écran en fond de scène pour les projections multimédias d’une belle qualité technique.  Un cercle d’éclairages de haute technologie, juché au plafond, pour faire tourner les ombres et colorer l’espace au sol. Magnifiquement maitrisés, mais, pour le coup, surutilisés, perdant les corps dans un espace saturé.

Par ailleurs, quelques scènes sont admirablement bien jouées. L’interprète principal sait faire naître la surprise par ses mouvements nets et vifs, tout en conservant un rapport intime avec chaque découverte.

Un collectif de dix artistes est à la barre de cette création japonaise, signée DumbType. Les stimuli provoqués par la lumière et le son sont omniprésents pour exprimer, selon le collectif, une réponse en rapport au monde qui entoure l’humain, monde qui semble a priori immuable et permanent. C’est ainsi que la danse contemporaine et les procédés technologiques sophistiqués entrent en contact.

C’est triste de voir que tant d’efforts déployés n’arrivent pas à exciter les sens comme DumbType l’entendait dans son programme. « Le système d’amplification à travers le corps », qui devait servir « une leçon de kinesthésie/synesthésie dirigée » ne devait pas être branché sur la bonne source ce soir de première.

Seul le corps du premier danseur, frêle mais précis, aura eu raison sur les impulsions que voulait transmettre ce spectacle. Mime à part entière, il inspire grâce à la maîtrise de cet art, art trop souvent négligé.

29-01-2011

Librement inspiré de l’histoire du cinéma, Point + Transform est réalisé à partir d’une amorce de film 16mm noire qui est perforée par l’aiguille d’une machine à coudre actionnée par l’artiste. Les perforations font alors apparaître sur l’écran des points lumineux qui sont interprétés par une matrice numérique leur attribuant des valeurs sonores, en l’occurrence des notes de piano. Évoquant de la sorte le jeu des cylindres qui activent les pianos mécaniques, l’œuvre numérique de Philippe Léonard fait écho à l’univers filmique.

critique de Joel Sim (collaboration spéciale)

Lors du programme double avec le collectif OAO, la soirée débute avec Point + Transform de Philippe Léonard et Else. Une performance dans laquelle des trous percés à travers une bande de projecteur à l'aide d'une vieille machine à coudre se transforment, une fois à l'écran, en notes de piano générées grâce un programme électronique conçu par le duo. En plus de nombreux problèmes techniques, la performance laisse l'impression de ne pas aller assez loin, comme si le concept avait plus de potentiel que le résultat présenté par les créateurs.

Mue est une performance live où la musique, la vidéo et les performeurs participent en temps réel à la construction d’un « concert cinématographique » à multiples niveaux. Le collectif OAO, né de la collaboration entre le guitariste et musicien électronique Otso Lähdeoja et le duo d’artistes plasticiens Marswalkers (Alexandre Berthier & Karl-Otto von Oertzen), cherche à approfondir les relations entre son, image, spectacle vivant et nouvelles technologies. Dans cet écosystème médiatique qui traite de la métamorphose et de la mutation des sons – créées par une guitare augmentée – et d’images vidéo, OAO propose une vision éclatée du cinéma. Le collectif amène le spectateur à vivre une expérience basée sur le potentiel narratif, interactif et transformatif du son, de l’image et du corps en mouvement.

La Bande Vidéo, Avatar, l’Œil de Poisson, ainsi que Recto-Verso ont successivement accueilli les artistes en résidence de création et ont ainsi rendu possible la conception du spectacle Mue.

critique de Joel Sim (collaboration spéciale)

En deuxième partie, suite à Point+transform, vint OAO, un mélange de performance musicale et d'arts numériques où le guitariste Otso Löahdeoja et le duo Marswalkers (Alexandre Berthier et Karl-Otto von Oertzen) synthétisent le thème de la mue de manière fascinante. La musique planante et l'image organique produite en direct, bougent et se transforment tout au cours de la présentation à l'aide d'une technique de projection vidéo totalement mystifiante. Une présentation courte mais efficace.

Les populaires cabarets audio reviennent cette année en offrant une chance inouïe de découvrir des univers sonores étonnants. Dans le bouillon­ne­ment hivernal du Mois Multi, des artistes de grand talent présenteront des créations originales et inédites dans une ambiance décontractée.

4 février, 22h30 / Le Cercle / Entrée libre
Alexander Wilson (Montréal)
Performeur, vidéaste et musicien, Alexander Wilson est cofondateur de Parabolik Guerilla Théâtre au sein duquel il réalise des œuvres scéniques multimédiatiques expérimentales. Compositeur et performeur de musique électroacoustique et électronique pour des projets solos, avec le trio électronique K.A.N.T.N.A.G.A.N.O. (avec Alexandre St-Onge et Jonathan Parant). Alexander Wilson a également réalisé des vidéos d’art ainsi que des installations multimédia et interactives.

5 février, 22h30 / Le Cercle / Entrée libre
TIND (Montréal)
Actif depuis 2001‚ TIND est un groupe d’art vidéo basé à Montréal qui développe ses propres techniques de création audiovisuelle. En détournant des équipements audio analogues comme la pédale de distorsion‚ TIND crée une imagerie singulière se faisant l’écho visuel de la matière sonore. Cette soirée, sous la direction de l’artiste Guillaume Bourassa, promet des improvisations contrôlées et des explorations audiovisuelles déjantées.

10 février, 22h30 / La Cuisine / Entrée libre
Pascal Robitaille (Québec)
Multi-instrumentiste autodidacte, Pascal Robitaille travaille depuis plus de dix ans en tant que compositeur de thèmes et d’environnements sonores pour des productions théâtrales. Il a d’ailleurs été à plusieurs reprises récompensé par le Prix Bernard-Bonnier. Poly­valent et inventif, il conçoit plusieurs de ses instru­ments et autres objets sonores, élargissant ainsi son champ de création.

11 février, 22h30 / Hall de méduse
Christian Lapointe (Québec)
Philippe-Aubert Gauthier (Sherbrooke) Metteur en scène, auteur, acteur et musicien, Christian Lapointe est directeur artistique du Théâtre Péril et cofondateur de CINAPS. Depuis l’an 2000, il a surtout mis en scène des pièces du répertoire symboliste ainsi que des pièces dites In-yer-face.

Philippe-Aubert Gauthier est ingénieur en mécanique. C’est aussi un artiste autodidacte qui touche aux arts visuels, à l’art audio, à la musique électroacoustique, acoustique ou électronique, à la composition algorithmique, à la synthèse ou au traitement de signaux audio, sans oublier l’écriture…

En duo, un iPhone dans chaque main, Atau Tanaka et Adam Parkinson créent une musique de chambre, rien de moins ! En reconfigurant les applications existantes de leurs appareils, ils composent un univers sonore et visuel en contrôlant à distance plusieurs instruments, synthétiseurs et mixeurs pour faire naître de ce dialogue peu commun une étrange harmonie. Les gestes des artistes sont captés avec les iPhones et forment une tapisserie ambiante qui surprend.

Ajoutons, pour les férus d’informatique, que toutes les rustines (patches) Open Source Pure Data fonctionnent avec l’application gratuite pour iPhone RjDj. Une seule rustine (patch) permet de mettre en branle le processus par lequel une batterie de sons du monde naturel sont tendus, congelés, éparpillés et recousus.

Présenté par Avatar et Mois Multi

Théâtre de lumière, d’ombre, de verre et de bras mécaniques robotisés, And All the Questionmarks Started to Sing plonge le spectateur dans une chambre noire ouverte qui lui dévoile les secrets de la création d’images animées. Dans ce petit laboratoire vivant, huit artistes mettent lentement au monde un récit qui trace, en temps réel, un paysage animé de sculptures cinétiques originales. Fortement ancrée dans la multidisciplinarité, l’œuvre est une composition scénique qui utilise le potentiel théâtral de la matière pour créer des tableaux où la poésie visuelle rencontre l’ingéniosité artistique. www.verdensteatret.com

Spectacle présenté à la 8e biennale de Shanghai, Chine à l’automne 2010.

Équipe : Asle Nilsen, Lisbeth J. Bodd, Håkon Lindbäck, Piotr Pajchel, Christian Blom, Kristine Roald Sandøy, Hai Nguyen Dinh, Ali Djabbary, Øyvind B. Lyse, Gjertrud Jynge, Espen Sommer Eide, Thorolf Thuestad, Eirik Blekesaune, Hans Skogen, Janne Kruse, Jannicke Lie, Elisabeth Gmeiner.

Ce projet est une co-production de Verdensteatret et Black Box Teater (Oslo, Norvège), BIT Teatergarasjen (Bergen, Norvège), Theater der Welt (Essen, Allemagne) and Avant Art Festival (Wroclaw, Pologne).

critique d'Odré Simard

En pénétrant dans la salle Multi du complexe Méduse, le public est tout d'abord accueilli par plus d'une dizaine d'étranges sculptures étant en fait l'amalgame de structures métalliques, de verre, de fils électriques et de roues de bicyclette ornementées de pétales de fleurs synthétiques. Le spectacle commence avec la distorsion de plus en plus puissante d’un sifflement d'homme, traitée électroniquement en temps réel. Puis d'autres personnes s'avancent sur scène tour à tour et viennent manipuler diverses roues qui génèrent soit un son, une musique ou une projection sur les grandes toiles qui bordent la scène. Bien qu'il soit parfois ambiant et tout en nuances, And all the questionmarks started to sing est un spectacle plutôt chaotique et même agressant à plusieurs moments, vu l'utilisation répétée de sons extrêmement forts. La technique utilisée pour traiter la trame sonore en direct à partir de la scénographie elle-même ainsi que l'esthétique travaillée des sculptures et des projections, font de ce spectacle un très intéressant champ de recherche et d'exploration pour les arts de la scène. En ce sens, il ne s'agit peut-être pas d'un spectacle «complet» ou «abouti», mais plutôt la démonstration de certaines ambiances et du résultat de leur recherche artistique qui fut très ciblée.

Avec Geographic Words, Herman Kolgen conçoit les spectateurs comme des territoires géographiques et sonores à explorer. Assis au centre de la pièce, l’artiste livre une performance audio en s’inspirant de l’intimité et de la proximité avec le public. Tandis que les spectateurs tiennent dans leurs mains des minis haut-parleurs, Kolgen crée des climats sonores qui s’intègrent et se confrontent aux voix intimistes échappées des enceintes. Ces climats, émis par un second système sonore placé dans la pièce, forment une enveloppe autour de l’artiste et des spectateurs. Des mots, des phrases, des extraits de narrations poétiques désincarnées et disloquées se mêlent à des sons familiers et abstraits et prennent la fuite à travers un territoire d’émotions et de significations certes ambigu mais non moins évocateur : un territoire où l’on ­expérimente la parole et l’écoute.

www.kolgen.net

Dans cette performance, Zimoun exploite les propriétés de résonance du carton en interagissant avec ce dernier à l’aide d’un système mécanique à moteurs qui génère des sons. La composition musicale qui en résulte ne vise pas à créer une harmonie instantanée comme un chemin bien tracé, mais plutôt à construire des architectures sonores inédites. L’accent est mis sur l’interrelation entre le vide, la densité, l’espace, la structure, l’interface, la statique et l’équilibre. Sans se préoccuper des facteurs de risque, l’artiste crée des structures sonores aléatoires produites par des réactions en chaîne et faisant surgir la vitalité du matériau.

www.zimoun.ch

critique de Sylvie Isabelle

D’entrée de jeu, il fallait accepter de sortir de notre zone de confort pour assister à cette performance double de Zimoun et Herman Kolgen. Dès le départ, on nous demande de nous déchausser, entreprise toujours périlleuse et peu plaisante l’hiver au Québec, et de laisser nos manteaux au vestiaire. Et comme si ce n’était pas assez, on nous invite à nous asseoir par terre, sur des tapis de gymnase au confort douteux.

Tout au long de la performance de Zimoun, cet inconfort nargue les spectateurs qui tentent tant bien que mal de trouver une position tenable. Les mécanismes de Zimoun, de petits moteurs montés sur des boîtes de carton, produisent des vibrations hypnotiques que l’artiste module subtilement. Amplifié par l’installation sonore, ce bourdonnement nous entoure, nous enrobe et nous fait rapidement perdre nos repères.

Herman Kolgen poursuit le bal. Toujours aussi inconfortables, quelques spectateurs ont la brillante idée de se coucher sur le dos, tout simplement. Et c’est là que la performance de Kolgen devient extrêmement intéressante. Disséminés dans la salle, des spectateurs tiennent de petits haut-parleurs qui émettent en alternance une voix de femme qui chuchote. Couché, les yeux fermés, on suit ces chuchotements et les bruits ambiants qui l’accompagnent et l’espace s’en trouve littéralement transformé. Sans aucune trame narrative, Kolgen réussit à construire un univers bien vivant qu’on visite les yeux fermés.

Dans les mains « destructrices » de Karl Lemieux, l’œuvre prend forme : les images se brouillent, deviennent incandescentes, abstraites puis surréalistes. Cette expérience visuelle, née des accidents et des défaillances de la projection, ne peut se produire qu’avec la dextérité et l’intelligence de son créateur. La fragilité et la force de l’image cinématographique sont ici réunies dans une performance composée avec l’aide de quatre projecteurs 16 mm et de trois talentueux musiciens : Jonathan Parant, Alexandre St-Onge et Roger Tellier-Craig. Ceux-ci improvisent pendant que l’artiste transforme et superpose, avec ses lames de rasoir et divers outils, des boucles de film en mouvements éclatés.

critique d'Odré Simard

Lors du programme double avec Sewing machine orchestra, on retrouve en deuxième partie Concert de free jazz. Si le spectateur a lu le descriptif de la représentation avant de pénétrer dans la salle Multi, il pouvait s'attendre d'abord à des projections qui allaient être transformées à même la bande magnétique du film, et en accompagnement, "trois talentueux musiciens" qui, selon le titre, s’adonneraient au genre « free jazz ». Karl Lemieux était donc présent aux côtés de ses projecteurs, prêt à donner vie aux images, et en retrait, trois hommes devant leur ordinateur. Lorsque la performance commence, il est à se demander si le titre est là par erreur ou s’il s'agit d'une blague. Car bien qu'il soit possible de considérer les artistes de musique électronique comme étant des musiciens à part entière (la question n'est pas là), où s'arrête la définition de free jazz? Nous étions plutôt face à une ambiance électronique aux accents sombres et inquiétants. Somme toute, une fois ce questionnement dépassé, nous assistons à un produit artistique fort intéressant. Les combinaisons, superpositions et transformations des images la projetées nous offrent une poésie surprenante. Plus particulièrement, les effets de brûlures sur la pellicule à l'aide de la lampe même du projecteur composent des images fascinantes que nous croirions avoir été crées électroniquement tant le résultat semble irréel. La trame sonore en direct se lie bien avec le visuel et nous emmène dans un voyage hypnotique. Par contre, une fois les différents effets exploités, la création plafonne quelque peu et nous laisse l'impression d'assister à une boucle sans fin.

Concert de free jazz est une création à l’esthétique forte et un grand potentiel, mais qui peut lasser certains spectateurs, une fois les dix premières minutes passées.

Compositeur, performeur et vidéaste, Martin Messier s’intéresse aux relations entre l’image, le son et la musique électroacoustique qu’il aborde sous plusieurs angles : performance, électronique live, installation, vidéo, musique pour la danse et le théâtre. Sewing Machine Orchestra est une performance sonore utilisant huit vieilles machines à coudre Singer des années 1940-50. À l’aide de microcontrôleurs, elles se métamorphosent en huit instruments d’une acuité et d’une rapidité incroyables, les moteurs servant à créer la trame sonore et les lumières, l’ambiance visuelle. Les sons utilisés pour cette performance proviennent entièrement des bruits acoustiques produits par les machines : amplifiés et traités, ils brodent une musique mécanique et électrique en direct.

www.mmessier.com et www.myspace.com/martin

Composition, programmation, performance : Martin Messier
Électronique : Samuel St-Aubin
Conseiller en scénographie : Alexandre Landry
Crédit photo : Alexis Bellavance

critique d'Odré Simard

Une révélation formidable que cet « orchestre de machines à coudre » ! Au départ, les machines s'éveillent une à une sous le geste de Martin Messier. Bien alignées en fond de scène, les huit Singers laissent entendre doucement le ronronnement de leurs moteurs. Chacune étant équipée d'une lampe, la présentation se déroule uniquement sous l'éclairage des machines sollicitées. De fabuleux jeux d'ombres s'en suivent avec le maître d'orchestre qui passe d'un engin à l’autre. Les sons déferlent alors dans un crescendo d'où naît une certaine tension face à ces bruits industriels de machines et à leurs moteurs. Plus les sons augmentent en intensité, plus les lumières deviennent un véritable stroboscope. On sent un travail énorme de Martin Messier au niveau de la précision de la synchronisation des machines, ainsi que dans l’exploration de leur potentiel musical. Sa recherche réside au niveau de la musique électroacoustique « live » : créer une musique électronique oui, mais qui est tirée directement d'un véritable stimulus en action. En plus de la sonorité particulière des machines à coudre, il réussit à nous présenter un visuel remarquable, grâce aux fameuses lampes. L'ambiance peut toutefois finir par s'essouffler après quinze, vingt minutes selon les spectateurs. Beaucoup de possibilités, oui, mais assez pour tenir un spectacle complet?

Comme beaucoup de spectacles du Mois Multi, nous semblons assister à une étape d'un processus de recherche artistique davantage qu'à un spectacle achevé, et nous sentons souvent que l’artiste aurait pu aller encore plus loin. Par contre, même pour ce type de résultat, il est clair qu'il y a eu une charge de travail considérable au niveau de la recherche. Il faut alors se rappeler que si l'on envisage le Mois Multi de cet angle, c’est aussi une chance inouïe que de pouvoir assister au travail d'autant d’artistes qui sortent enfin de l'ombre pour nous partager leur travail acharné sur des aspects tellement précis de leur(s) discipline(s). Une vitrine exceptionnelle sur la recherche en art qui nous fournit une dose énorme d'inspiration et de renouveau.

L’artiste montréalais Herman Kolgen, en collaboration avec l’Orchestre symphonique de Québec, présente une version multimédiatique de Different Trains, une œuvre du compositeur américain STEVE REICH écrite en 1988 pour quatuor à cordes et bandes magnétiques. La pièce musicale fut créée en mémoire des Juifs déportés en trains vers les camps de concentration au cours de la Deuxième Guerre mondiale. Seize musiciens interprètent l’œuvre en parfaite symbiose avec les images vidéographiques « percussives » d’Herman Kolgen. Le public, sur scène avec les musiciens, participera à une expérience sonore et immersive d’une grande intensité.

+ overlapp DUST

S’inspirant d’une photographie de Marcel Duchamp et Man Ray intitulée « Élevage de poussière », Dust propose une exploration des changements d’état de la matière. Véritable radiographie de la poussière, cette performance sonore et visuelle de Herman Kolgen sonde l’im­perceptible microscopique, chevauche le visible et l’invisible et brise les repères : des pigments en suspension autour d’un champ magnétique s’organisent aléatoirement en réseaux et entrelacs pour devenir des compositions visuelles d’une complexité insoupçonnée. L’espace entre le son et la trame visuelle est pratiquement inexistant et le souci du détail provoque un vertige inattendu. www.kolgen.net

Le Mois Multi remercie Ex Machina pour son apport à la présentation de ce spectacle.